Entrevista a Julia Barminova

El mar, la luz y el movimiento son los grandes protagonistas de la obra de Julia. Reconocida internacionalmente por sus impresionantes acuarelas marinas, Julia ha convertido el océano en mucho más que un tema artístico: en un lenguaje emocional a través del cual explora la libertad, la incertidumbre y la belleza de lo imprevisible.

En esta entrevista nos habla sobre sus inicios con la acuarela, su fascinación por el comportamiento del agua, la búsqueda constante detrás de su proceso creativo y la manera en que el mar ha marcado profundamente tanto su vida como su obra. Una conversación honesta e inspiradora sobre arte, exploración y autenticidad.

¿De dónde nace tu relación con el arte y cómo comenzó tu camino como artista?

Mi relación con el arte comenzó precisamente con la acuarela, aunque al principio no me tomaba este material en serio. Como muchas personas, pensaba que la acuarela era algo simple, casi un “material para niños”. Me parecía que el arte “real” se hacía con óleo o acrílico, mientras que la acuarela era algo ligero y limitado.

Todo cambió cuando vi por casualidad una selección de obras de acuarelistas contemporáneos. Me quedé completamente impactada. No podía creer que aquellas pinturas tan profundas, atmosféricas y complejas estuvieran hechas con esos pigmentos transparentes. Pasé mucho tiempo observándolas e intentando entender cómo era posible.

En ese momento, la acuarela dejó de ser un material simple para convertirse en un misterio que quería resolver.

Al día siguiente compré mi primer set de materiales y empecé a experimentar. Desde el principio no me movía tanto el deseo de convertirme en artista, sino la curiosidad. Quería entender cómo era posible crear tanta belleza solo con agua, pigmento y papel. Por qué una buena acuarela podía transmitir aire, luz y movimiento vivo de una forma que nunca había sentido en otras técnicas.

Creo que precisamente ese “misterio” de la acuarela es lo que me mantiene conectada a ella hasta hoy. Es un material imposible de controlar completamente. Siempre existe un elemento de azar, un diálogo con el agua, y eso hace que el proceso esté vivo constantemente. Quizás por eso sigo trabajando con acuarela después de tantos años: porque todavía siento que continúo descubriendo nuevas posibilidades dentro de ella.

¿Cómo describirías tu estilo y de qué manera ha evolucionado con el tiempo?

Mi estilo no ha cambiado radicalmente con el tiempo. Desde mis primeras pinturas marinas me interesa una misma idea: la unión entre la naturaleza del mar y la naturaleza de la acuarela. Tanto mi pintura como mi enseñanza giran alrededor de esa búsqueda.

Siempre he querido encontrar la forma más natural, ligera y viva de representar el agua en todos sus estados: desde la calma absoluta hasta las olas complejas, las transparencias, la espuma y el movimiento de la profundidad.

La acuarela es perfecta para este tema porque ella misma tiene algo de la naturaleza del agua. Fluye, se mezcla, tiene vida propia y a veces escapa al control. Y precisamente ahí aparece la sensación de naturalidad. Me interesa no luchar contra ese comportamiento de la acuarela, sino colaborar con él.

Al mismo tiempo, me inspira muchísimo explorar las posibilidades técnicas de este medio. Siento que son casi infinitas. Lo más interesante es que siempre aparece un nuevo desafío en el horizonte. Cada vez que logro comprender una complejidad del paisaje marino, inmediatamente veo el siguiente nivel. Incluso hoy existen estados del mar y efectos de luz que honestamente todavía no entiendo cómo pintar en acuarela. Y justamente esa sensación de lo desconocido es lo que me impulsa a seguir adelante.

Por eso mi estilo no es algo estático. Para mí es movimiento constante, exploración, a veces incluso una especie de tensión entre control y libertad. Pero al mismo tiempo es la búsqueda de armonía entre el mar y la acuarela, dos elementos que se parecen muchísimo por naturaleza.

¿Qué influencias o artistas han marcado tu trayectoria?

Probablemente la respuesta más honesta es: todos.

A lo largo de los años he visto muchísimo arte y he viajado por museos en Estados Unidos, Francia e Italia intentando ver las obras originales, porque un original siempre produce una sensación completamente distinta a una imagen en internet o en un libro.

Para mí fue muy importante ver las acuarelas originales de John Singer Sargent, Anders Zorn y J. M. W. Turner, así como las obras de Andrew Wyeth. También viajé por lugares relacionados con Vincent van Gogh —desde Holanda hasta Provenza— intentando sentir mejor la atmósfera, la luz y el entorno que lo rodeaban. Estudié la obra de Paul Cézanne y quedé fascinada frente a los originales de Mark Rothko y la manera en que el color puede construir un espacio emocional.

Pero no puedo decir que exista un solo artista que haya definido mi camino. Más bien me marcó la posibilidad de ver cómo cada artista percibe el mundo de una manera completamente distinta y transforma sus emociones en lenguaje visual.

Y aun así, creo que mi mayor influencia no es el arte en sí mismo, sino el océano y todo lo relacionado con el mar. Los viajes, la navegación, las ciudades portuarias y las personas que han dado la vuelta al mundo en barco y han elegido una vida llena de incertidumbre y libertad. Eso es lo que más me inspira. Tal vez por eso mis pinturas no buscan repetir ninguna tradición artística concreta, sino transmitir mi propia sensación del mar, del movimiento y de la libertad interior.

¿Qué temas te inspiran y qué buscas transmitir con tu obra?

Parte de mí siempre se siente atraída por el océano: la libertad, el movimiento, lo desconocido. El mar cambia constantemente, y esa imprevisibilidad me fascina. Me encanta que nunca puedas controlarlo por completo ni repetir exactamente el mismo momento dos veces. Tal vez por eso sigo pintando agua una y otra vez: cada ola parece viva, emocional e imposible de copiar exactamente.

Al mismo tiempo, otra parte de mí anhela una vida en tierra firme: familia, estabilidad, rutinas tranquilas y cercanía con las personas que amo. A veces siento que vivo entre estos dos mundos. Una parte de mí sueña con largas travesías oceánicas, la vida en barcos y puertos lejanos. La otra sueña con un hogar, cenas compartidas y la sensación de pertenecer profundamente a algún lugar.

No siempre sé dónde pertenece realmente mi felicidad. Y creo que esa tensión interior aparece naturalmente en mis pinturas. Para mí el océano no es solo un paisaje. Se convierte en una metáfora de libertad, soledad, nostalgia, incertidumbre y belleza al mismo tiempo.

Pintar el mar también es un proceso muy personal. Creo que pinto el océano una y otra vez porque así puedo volver a él. A través de mis obras regreso al aire salado, al horizonte infinito, al silencio y al movimiento. Incluso cuando estoy lejos del agua, pintar me permite reconectarme con esa parte de mí misma.

Y al mismo tiempo, me gustaría que las personas que miran mis obras reconocieran algo propio en ellas. No necesariamente el océano, sino esa sensación de buscar tu lugar en el mundo, de vivir dividido entre libertad y apego, movimiento y quietud. Creo que muchas personas llevan contradicciones así dentro de sí mismas, aunque su “océano” sea algo completamente distinto.

¿Cómo es tu proceso creativo, desde la idea inicial hasta la obra terminada?

Cuando la parte técnica del aprendizaje de la acuarela quedó atrás, gran parte de mi trabajo empezó a estar relacionada no tanto con la pintura en sí, sino con la búsqueda del motivo. Diría que hoy aproximadamente el 80% de mi proceso consiste en observar, buscar atmósferas, estados y emociones que quiero transmitir.

Paso mucho tiempo junto al océano, viajo por ciudades portuarias y salgo al mar en velero observando el agua y la vida alrededor de ella. Muy a menudo una futura pintura comienza justamente allí. A veces trabajo en plein air, otras veces hago pequeños bocetos, tomo fotografías o grabo vídeos de detalles que parecen insignificantes, pero que después se vuelven importantes en el estudio. Intento recordar no solo el motivo visual, sino también la sensación: el clima, la humedad del aire, el movimiento de las olas, la luz y las combinaciones de color.

Cuando pasas mucho tiempo junto al mar, casi siempre sucede algo inesperado y hermoso. Los pescadores regresan con la captura, los marineros levantan las velas, el viento transforma la superficie del agua y la luz cambia constantemente. Me fascina especialmente observar cómo los tonos rosados y dorados del atardecer se transforman lentamente en azules fríos.

Probablemente esta sea mi parte favorita del trabajo: la búsqueda. En esos momentos me siento no solo pintora, sino también observadora y exploradora. Me gusta pensar que un buen motivo no puede inventarse completamente; hay que encontrarlo.

Después llega una parte más silenciosa del proceso. Reviso fotografías, vídeos y bocetos intentando entender qué imagen continúa emocionalmente conmigo. Normalmente es esa sensación la que me dice cuál será la próxima pintura.

Los formatos grandes los trabajo en el estudio. Y aunque el estudio sea un espacio tranquilo y controlado, intento conservar en la obra la sensación del viento, del movimiento del agua y del instante vivido frente al océano.

¿Qué materiales o herramientas consideras imprescindibles en tu trabajo?

Con los años he desarrollado un conjunto de materiales muy específico y rara vez me alejo de él. Me gusta conocer profundamente el comportamiento de mis herramientas, especialmente en acuarela, donde incluso el papel puede cambiar completamente el resultado.

Para mí el papel Arches 300 gr Grain Fin es absolutamente esencial. El papel es una parte enorme de la técnica de acuarela, y esta superficie me permite transmitir el movimiento del agua, la suavidad de las transiciones y al mismo tiempo mantener control sobre los detalles complejos.

Trabajo con acuarelas en tubo y siento que precisamente el cambio a este tipo de pintura influyó muchísimo en el desarrollo de mi estilo. Con el tiempo llegué a una manera de trabajar más ligera y transparente, generalmente en una sola capa y casi sin veladuras. Me interesa conservar la sensación de frescura y movimiento vivo dentro de la pintura.

En cuanto a pinceles, adoro especialmente los planos Silver Brush Black Velvet y el Princeton Aqua Elite Angular. Probablemente son las herramientas que considero casi irremplazables. Me permiten trabajar con libertad y precisión al mismo tiempo, algo muy importante en los temas marinos, donde el agua cambia constantemente de forma y movimiento.

Lista de material de Julia

¿Qué consejo darías a quienes están comenzando su camino en el arte?

Por favor, sean ustedes mismos y no intenten copiar a nadie.

Por supuesto, es muy importante estudiar técnica, composición, color y aprender observando a otros artistas. Pero llega un momento en que el verdadero desarrollo ya no depende de una nueva habilidad técnica, sino de una conversación honesta contigo mismo.

Creo que es muy importante preguntarse constantemente: “¿Qué amo realmente?”, “¿Qué quiero decir con mi obra?”, “¿Qué tiene de especial mi manera de ver el mundo?”. Porque lo más valioso en el arte no es la técnica perfecta, sino la personalidad que existe detrás de la obra.

Todos somos diferentes. Tenemos distintos temperamentos, ritmos de vida y maneras de sentir el mundo. Algunas personas pintan de forma explosiva en treinta minutos, mientras otras trabajan durante cientos de horas en los detalles. Hay artistas que viajan por el mundo con un cuaderno de bocetos y otros que pasan toda su vida pintando la misma calle o el mismo lago. Y ninguno de esos caminos es más correcto que otro.

Me parece muy importante no intentar adaptarse a lo que está de moda o tiene éxito en ese momento, sino encontrar poco a poco tu propio lenguaje visual y tus propios temas. Porque cuando un artista realmente se encuentra a sí mismo, eso se vuelve visible casi de inmediato. Las obras empiezan a sonar sinceras, se vuelven reconocibles y aparece la sensación de estar finalmente en el camino correcto.

Y quizás también es importante recordar que el camino artístico no es una carrera. No hace falta convertirse en otra persona lo más rápido posible. El arte es más bien un proceso de conocerse a uno mismo a través del trabajo, la observación y el tiempo.

¿En qué proyectos trabajas actualmente o qué te gustaría explorar en el futuro?

Trabajo con el tema del mar desde hace muchos años, y siento que mis pinturas se han ido volviendo cada vez más complejas y profundas. Cuando empecé a pintar el océano en 2014, me interesaban sobre todo los estados tranquilos del agua: superficies calmadas, reflejos del cielo y transiciones de color muy sutiles. En ese momento estaba aprendiendo a comprender la naturaleza misma del agua y cómo transmitirla con acuarela.

Con el tiempo empecé a interesarme cada vez más por estados más complejos del mar: el movimiento de las olas, la transparencia de la profundidad, la interacción entre luz y forma. Paralelamente, cuando el mundo de la navegación entró en mi vida, mis temas también comenzaron a alejarse cada vez más de la costa, hacia el océano abierto y estados más salvajes de la naturaleza. Algunas obras incluso fueron inspiradas por historias marítimas y expediciones relacionadas con la Antártida.

Actualmente me interesa especialmente el tema de las breaking and crashing waves: las olas que se rompen contra la costa y se convierten en espuma, energía y movimiento. El océano Atlántico ofrece estados increíbles para observar: poderosos, caóticos y al mismo tiempo extremadamente bellos.

Es uno de los temas técnicamente más difíciles con los que he trabajado, y precisamente por eso me apasiona tanto. Me gustaría continuar explorándolo y llevar estas imágenes a formatos más grandes. El gran formato permite al espectador sentir físicamente la presencia del agua, el movimiento y la escala del océano. Creo que en el futuro quiero moverme hacia obras cada vez más inmersivas y emocionales, donde el espectador no solo observe el mar, sino que sienta que está dentro de él.

Muchas gracias Julia, por compartir con nosotros tu visión artística, tu proceso creativo y tu profunda conexión con el océano.

Tu manera de entender la acuarela como un diálogo entre control y libertad nos recuerda que el arte no solo consiste en dominar una técnica, sino también en aprender a observar, sentir y dejar espacio a lo inesperado.

Esperamos que esta entrevista os haya inspirado tanto como a nosotros y os anime a seguir explorando vuestra propia voz artística.

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